J’avais fait il y a quelque temps un article sur Mc Bess. J’étais passé un peu vite sur les deux talentueux partenaires avec lesquels il a réalisé “Sigg Jones”, leur film de fin d’étude à Supinfocom.

Sigg Jones from Asterokid on Vimeo.

Je rattrape en parti mon erreur et vous présente donc aujourd’hui Douglas Lassance aka Asterokid qui a réalisé depuis le très remarqué “Galactic mail”.

On y retrouve comme dans Sigg Jones une intrigue portée par l’affrontement de deux personnages et un goût pour les clefs de bras. Visuellement, l’intégration de la 3d dans un univers 2D Vecto est parfaite.

Vous remarquerez à la fin du film, la présence d’un Emmental posé en évidence sur un tronc d’arbre. C’est un élément que j’associe à l’univers de Mc Bess, peut-être un clin d’oeil de l’un à l’autre…

J’ai dessiné une navette spatiale avant-hier, ça me ferait bien plaisir de l’animer dans cet esprit…

Galactic Mail from Asterokid on Vimeo.

Pour ce qui est de Jonathan Vuillemin aka Motraboy, le troisième de la team “Sigg Jones”, il n’y a pas beaucoup de nouvelles sur son blog, à suivre.

J’ai découvert le travail de Don Kenn il y a quelques mois avec l’impression d’avoir vraiment trouvé quelque chose que je cherchais depuis longtemps. Il développe un univers dont les préoccupations sont proches de celles autour desquelles je tournais quand j’ai fait l’habillage de mon blog. Il met en scène de façon récurrente l’émergence de créatures inquiétantes et parfois menaçantes. Mais les situations restent suspendues à cette simple confrontation, il ne donne jamais à voir le dénouement.

L’impression de temps en suspend est renforcé par le traité du dessin, d’une minutie monacale. Les éléments visuels : personnages, arbres, sol, eau, sont traités par le biais d’une répétition de motifs qui donne à chacun une texture qui lui est propre. Et ces éléments eux-mêmes (les personnages par exemple) se comportent parfois comme des motifs répétitifs.

Ce procédé couplé à l’absence de perspective géométrique à proprement parlé, contribue à l’aplatissement de la représentation et à la sensation d’immobilité et de cloisonnement. Dans ces dessins même les scènes d’extérieur deviennent claustrophobiques.

En fait ce que nous donne à voir Don kenn et qu’il répète tel un motif au fil des ses illustrations c’est peut-être le sentiment d’angoisse dans tout ce qu’il a d’étouffant d’entêtant et d’insoluble.

J’avais écrit il n’y a pas si longtemps un article sur Sean Galloway. Ceux qui ont déjà visité son site auront constaté qu’il lui arrive fréquemment de travailler avec Irene Matar. Cette artiste reproduit ses dessins en volume avec une “pâte à modeler” spécialement conçue. La justesse, le respect du dessin d’origine et la minutie de son travail sont bluffant. Je vous conseille d’aller voir son blog, elle y montre de nombreux travaux en cours, c’est enrichissant et très impressionnant.

On retrouve ces qualités dans le travail des sculpteurs du fabuleux studio d’animation britannique “Mackinnon & Saunders”. Un Studio qui porte haut les couleurs du “stop motion” dans des productions comme “wallace & gromit” ou “Mars attack”. Visitez leur site flash. Il laisse un peu sur sa faim, mais personnellement il me fait quand même bien rêver…

Ne vous y trompez pas, il n’y a pas que l’animation traditionnelle qui sollicite le savoir faire de ces artistes. Les gros Studio comme Dreamworks qui utilisent pourtant la 3D pour produire leur film, font appelle à des studios comme le “Bard scupture Studio” dans leur processus de création. Allez voir sur leur site, la qualité de leurs réalisations est à peine croyable, sur “Kung fu panda” notamment…

Pour ceux chez qui cet article aurait suscité des vocations, je vous invite à visiter le site de sketeletoon, où vous pourrez vous procurer vos premières armatures de “stop-motion”.
Vous trouverez aussi une mine d’informations pour vous mettre à la sculpture dans cet article publié dans la toute nouvelle categorie “Make it Yourself”.

Par contre je n’ai pas d’informations techniques sur la méthode permettant de passer d’un sculpture rigide à une marionnette “animable” en “stop motion”. Si quelqu’un en a, qu’il me contacte, c’est avec plaisir que je les publierais sur mon blog.

Brendan Monroe est né et a grandi en Californie du Sud et a étudié au Art Center College of Design. Sa peinture figurative met en scène une nature inquiétante et mélancolique, trame organique d’une issue que l’on pressent  funeste. Ses œuvres foisonnantes viennent souvent s’échouer aux frontières de l’expressionnisme abstrait et laissent deviner une réflexion très subtile sur la peinture.

Environ 150 ans séparent “Blush From Side to Side” de Brendan Monroe de l’Ophélie (1851-52) de l’artiste anglais John Everet Millais.
À l’évidence pourtant les deux peintures traitent d’un même sujet :
Une jeune femme vouée à disparaître se laisse emporter par un flot inquiétant.

Entre la première et la seconde peinture, l’air industriel, deux conflits mondiaux, l’émergence des avant-gardes et une remise en question profonde des modes de représentations. 150 ans d’histoire de l’art mouvementés dont quelques fragments épars semblent émerger discrètement de l’horizon tendu entre ces deux œuvres, à l’image de plaques tectoniques qui tantôt s’éloignent ou s’entrechoquent.

Considérons maintenant l’Ophélie de Millais, comme une frêle embarcation qui aurait traversé cette tempête pour en ressortir sous la forme de la peinture de Monroe. On se dit alors que l’essentiel a résisté. Chez Monroe, la même naïveté des sentiments, la même mélancolie, le tout sertie dans une nature mystérieuse voir mystique. Sauf que chez Monroe la nature s’est concentrée dans un flot  suspendu, par endroit anthropomorphique. Un fleuve abstrait qui vient figurer que le destin de la jeune fille est de se muer lentement en boue.

Le traitement de la boue me fait penser à la série des « Brushstroke » de Roy Lichtenstein dans lesquels la spontanéité d’un jet de peinture sur la toile est transcrit par un travail minutieux et appliqué. La peinture, en tant que matière, est figée dans sa représentation iconographique. Dans un processus inverse,  l’œuvre de Monroe  glisse doucement d’une forme de peinture libre et abstraite à une représentation figurative d’éléments imaginaires. Je clos là cet article déjà trop long pour le web, et si vous avez été assez motivé pour le lire jusque là je vous encourage vivement à poursuivre par une visite sur le site de Brendan Monroe.

Cela fait un moment que je suis le travail de Mathieu Bessudo aka Mc Bess. Il a un univers graphique très fort mêlant de façon virtuose, autoportraits, montagnes de son enfance, rock n’roll, emmental, charcuteries, et autre nymphettes aux seins nus dans un style directement inspiré des premiers Disney.

Issu de Supinfocom, son film de fin d’année “Sigg Jones” (par ailleurs excellent lui aussi) ne laissait que très peu transpirer cet univers.
Mais le clip de son groupe (il est aussi musicien),“woody” rattrape ce silence et c’est un véritable concentré de Mc Bess que je vous invite à déguster au plus vite.

Sean Galloway est un illustrateur et un character designer qui vie et travaille à Los Angeles. C’est mon coup de cœur du moment, et ce dessin que j’ai réalisé dernièrement lui doit beaucoup.

Je suis impressionné par la dynamique de ses personnages pourtant enserrés dans un style très clinique, qui pourrait les figer. L’illustration ci-dessous, qui fait écho à mon précédent article sur Mignola, a été réalisée pour “sword of storm” une série animée avec Hellboy.

En terme de Bd ma préférence va pour des choses plus “grattées”, et c’est vraiment d’avantage son character design qui force mon admiration, néanmoins je trouve que son style entame un dialogue intéressant entre le comics américain et le manga japonais.

Mike Mignola est une star adulée par ses fans. Mais bon, il y a deux ou trois ans je ne le connaissais pas encore, donc je ne renonce pas à le faire découvrir à d’autres, qui sait. J’ai peu de chance néanmoins étant donné que Hellboy, le personnage qu’il a créé, a déjà fait l’objet de deux “blockbusters”.

Le travail de Mignola a été pour moi un électrochoc, qui m’a redonné envi de dessiner (j’avais un peu laissé tomber). J’ai été impressionné par sa façon très graphique de dessiner, son trait anguleux qui va à l’essentiel, et son sens efficace de la composition. Sa gestion de la lumière est radicale, elle est servie par un encrage puissant qui fait que toutes ses figures semblent surgir de l’ombre, à la manière d’un Georges de La Tour.

Tous cela le rend aussi incontournable que le coupe-vent fluo dans les années 80. Répertorier les déclinaisons de Hellboy, dans tous les styles graphiques imaginables, que l’on rencontre sur le web pourrait faire l’objet d’un site tant il y en a.

Élève de Ken SouthWorth, le style de Florian Satzinger est fortement marqué par l’univers graphique de Disney et - dans une moindre mesure - d’Hanna-Barbera.

Personnellement ses dessins me rappellent mes 8 ans quand je feuilletais mon Picsou magazine et ses personnages me font souvent penser aux gardes vautours du Robin des bois de Disney, Pendard et Niquedouille.

J’aime aussi sa façon d’inventer des machines faites de tas d’engrenages impossibles. C’est quelque chose que j’adorais faire enfant et je crois que le plaisir que cela procure est ce que recherchent les enfants en général quand ils dessinent. Il faut croire qu’il a su garder cette impulsion intacte, ce qui est tout à son honneur.
Parallèlement à son travail dans l’édition, il enseigne le character design et l’animation à l’université de Salzburg. Cela se ressent sur son site qui est très didactique et  soigné. Tout cela rend son travail bien agréable à suivre.

J’ouvre aujourd’hui une nouvelle rubrique dans laquelle j’évoquerais et rendrais hommage aux auteurs, aux illustrateurs, aux character designers, voir même aux studios, qui par la qualité de leur travail, me motivent et me donne envie de devenir meilleur.

Récemment j’ai eu une idée de jeu en ligne qui mettrait en scène des Sumos. J’ai donc commencé à chercher à quoi ces derniers pourraient ressembler. L’étape suivante serait de les modéliser dans un soft 3D.

Ensuite il faudrait que je rédige un fonctionnel du jeu pour convaincre mes collègues de le vendre à un client quelconque… mais ça c’est une autre histoire.